台北“两厅院”两年一度的“国际剧场艺术节”12月1日正式落下了帷幕。压轴大戏是荷兰阿姆斯特丹剧团四个半小时的《战争之王》，其导演伊沃·凡·霍夫（Ivo van Hove）是当今国际剧坛最当红的大导演。在这个为期近两个月的艺术节上，还有希腊大导狄奥多罗斯·特尔左布勒斯（Theodoros Terzopoulos）这样重量级的国际大导演。

《战争之王》剧照

　　但在国际一流戏剧家和重磅作品引发关注的同时，注重前卫性和实验性的“国际剧场艺术节”上，还有一半作品来自台湾本土的青年艺术家。这些作品悉数都是由台北“两厅院”委约原创，并提供创作资金。让人意外的是，这些作品收获的观众热情也丝毫不逊色于大师名作，每部戏都票房不俗。

　　记者在艺术节期间去台北观看了两部台湾原创作品，并和本土的青年艺术家及“两厅院”交流。在戏剧市场并不“大”的台湾，这里的年轻艺术家们却有着非常自由广阔的创作空间。他们习惯在作品里“发泄”，却很少在生活中抱怨。虽然，和世界上大多数戏剧从业者一样，他们在经济上并不富足。

　　而作为台湾最重要的表演艺术机构，“两厅院”则努力为这些青年艺术家们提供各种帮助和保障，并始终保持着时间上的耐心。按照节目部经理施馨媛的话说：“我们希望自己做的，就是为这些年轻的艺术家提供各种资源上的帮助，倾听他们的创意，陪伴他们的成长，接受他们的失败。”

　　台北“两厅院”：发现并陪伴年轻艺术家成长，对他们保持耐心

　　台北“两厅院”每年都会举办两个重要的艺术节，春天的TIFA台湾国际艺术节是世界一流艺术团体和大师云集的盛会，而秋天则会隔年举办“国际剧场艺术节”和“舞蹈秋天”，更注重实验性和前卫性，也更关注本土青年艺术家的成长。

　　今年的“国际剧场艺术节”主题是“生存游戏”，希望通过十部作品，体现当代社会的十种困境。

　　在这其中，伊沃·凡·霍夫的《战争之王》关注权力的困境，比利时偷窥舞团的《父亲》关注人类无法尊严老去的困境，特尔左布勒斯受邀为“两厅院”委约创作的《叶玛》（Yerma）关注女性生育的困境。

《叶玛》海报视觉

　　与此同时，“两厅院”又委约了台湾本土的五部作品，以不同的生存困境为题，各自新创作品。

　　按照节目部经理施馨媛的话说，这可能是“国际剧场艺术节”举办以来最“负能量”的一次策展。

　　而之所以如此选题，是希望戏剧能更贴近社会现实和人的生活。“戏剧应该是可以和社会沟通的一个管道和平台，它应该具有思考性和批判性。”

　　正如本届剧场艺术节的主题说明：“艺术，是瞄准现实的武器。”

　　于是，在《南洋情报交换所》里，可以看到关于历史伤痛的困境；在《玛莉皇后的礼服》里，可以看到日本慰安妇“横滨玛莉”在战争命运下人生憧憬和失落的困境；沉浸式声音剧场《在棉花田的孤寂》，是关于买卖和欲望的困境；《神农氏》是关于药物滥用的困境，《再约》则是关于人与人之间疏离又脆弱的关系困境。

　　从选题到沟通到完成，作为艺术节主办方的“两厅院”完全遵从艺术家们的想法，但在这过程中也会给与不断的提醒和帮助。

　　《南洋情报交换所》的导演区秀诒是马来西亚华侨，之前一直从事视觉艺术，这是他第一次做导演，在和“两厅院”沟通了创作想法并获得委约创作后，他在图书馆做了很长时间的调查研究，才开始进行创作。

《玛莉皇后的礼服》海报视觉

　　《玛莉皇后的礼服》的导演梁允睿和《神农氏》导演Baboo都是“两厅院”的驻馆艺术家，这意味着他们每个月有一定固定收入之外，在创作上也可以获得很多资源和经济上的帮助。每年，他们提出自己的创作设想和计划，“两厅院”则从各个层面，帮助他们实现自己的设想。

　　施馨媛说，过去“两厅院”给本土艺术家的帮助更多是场地、行政和经费上的，但现在这个时代，只有这些可能都不够。“我们需要在创意上对他们进行陪伴和沟通，这并不是说我们要介入创作，而是陪着他们一起问问题，透过这些问题，陪着他们进行创作上的思考。”

　　每年，“两厅院”的节目部都要在台湾看各种大大小小的创作，从中发现好的作品和新的创作人才。“也许我们看了十个糟糕的，才可能发现一个好的作品，但这是必须经历的过程。”

　　创作存在风险，如果委约创作失败又该如何面对？施馨媛笑说：“那就接受失败啊！这是创作中不可避免的一部分。既然是陪伴成长，就要接受成长中的各种，包括失败。在这其中，我们需要的是耐心。”

　　因为在陪伴青年艺术家的道路上已经坚持了很多年，台湾如今很多成名成家的艺术家都是这样慢慢成长起来，有一些“陪伴”，甚至长达十几年。

　　施馨媛同时提到，这些年，越来越多的国际一流艺术家和团体受邀来到“两厅院”演出，但他们已经越来越不满足于“邀请”这件事情。“我们现在开始更多思考，这些大师和团体来到我们这里演出，究竟能为我们的本土创作留下些什么？”

　　也因此，在“邀请”的同时，“两厅院”也在拓展艺术家交流计划、巡演互访计划，在请进来的同时，让本土的创作得到最大程度的帮助和促进。

　　汪兆谦和他的“阮剧团”：一个“在地剧团”的远大梦想

　　在今年“国际剧场艺术节”委约的几个作品里，创作了《再约》的“阮剧团”是唯一不属于台北的表演团体。剧团来自于嘉义，这个位于台湾西南部的县市只有50万人口，是台湾人口最少、老龄化和向外移民最严重的地区。

阮剧团团长汪兆谦

　　剧团的创始人汪兆谦是嘉义本地人，毕业于台北艺术大学戏剧系。15年前，在台北读戏剧研究生的他，没有留在戏剧环境最好的台北，却回到家乡，创建了这个台湾屈指可数的“在地剧团”。

　　台北之外，台湾的大部分地区都没有戏剧土壤。戏剧在十几年前的嘉义更是一片空白。汪兆谦在嘉义中学时偶然接触了剧社，从此改变了人生方向。在台北读书时，他深感于城乡之间的差距，“走出台北，别的地方都是一片艺文荒地。我们嘉义人看不到戏剧。既然嘉义没有人做戏，那就让我们一起来做吧。”

　　台湾1980年代曾经有兰陵剧坊，这个民间戏剧团体，后来走出了几乎台湾文艺界的半壁江山，包括李立群、金士杰等都是当年兰陵剧坊的成员。汪兆谦觉得，他同样可以和志同道合的小伙伴一起，从无到有，在台湾南部做出一个剧团，改变当地的艺术生态。“艺术，可以影响一群人；而一群人，可以影响一个地方。”

　　剧团成立最初，成员大都来自于高中时剧社的玩伴。一个戏成本只有2万台币，大家分头拿出零花钱，把戏做了出来。演出在一个废弃的民宅，第一年的演出，观众数一直在30-60人之间，但他们一直坚持卖票。几年后，观众数也越来越多。

　　剧团成立的第四年，嘉义县盖起了一个剧场，汪兆谦和他的阮剧团也终于有了一个据点。因为剧团的作品和影像里逐渐有了积累，他们也开始获得了政府的资助。

　　虽然是个民间剧团，但“阮剧团”却有一个“改变嘉义的十年大梦”。剧团有一个“偏乡演出计划”，他们进入乡村小学和社区演出，希望从小学生为起点，延伸到青少年、教师，以十年为目标，构建一个良好的戏剧艺术生态。

　　这些年，“阮剧团”越来也多获得嘉义当地政府的支持，嘉义表演艺术中心也成为了他们固定演出和排练办公的基地。汪兆谦说，“比之三四十年前兰陵剧坊的年代，我们现在的环境可以说好了太多。申请的补助可以复制团队。但我们这个时代面临的更大竞争来自于网络和其他形式的挑战。”

　　对于剧团而言，政府的资金扶持占据了剧团成本的三分之一，另外三分之一来自于承接商业演出和办晚会获得的收入，而另外的缺额，汪兆谦笑言，目前还在“负债经营”。

　　尽管做剧团十分辛苦，但汪兆谦却认为，这种辛苦是“做戏剧人和创业者的必然”。

　　作为一个“在地剧团”，阮剧团一直思考、实践着表演艺术如何更积极地走向、与社会接轨。从2013年开始，他们开始了一个“剧本农场”计划。以“南部、嘉义”作为剧本创作的主题，每年有计划地邀约3位编剧来到嘉义，透过探访嘉义庶民的生活角落，寻找创作的灵感。然后通过读剧、评论，使之能够走上舞台。

　　“剧本农场”的主持人是台北艺术大学戏剧研究所的王友辉，通过4年的积累，目前已经有了12个剧本。汪兆谦同样认为，“聆听、陪伴、鼓励”可能是年轻创作者在创作道路上最需要的东西。

《再约》走位技排@台北实验剧场

　　今年，阮剧团进入“两厅院”的视野，委约创作的《再约》正是“剧本农场”2015年时候的作品。编剧陈弘洋是个90后，写这部作品的时候还在读大四，非常年轻。

　　事实上，《再约》也是阮剧团第一次登上台北“两厅院”的舞台，是一次极为重要的亮相。对于挑选一个如此年轻作者的剧本作为台北首秀，汪兆谦表示，它代表着一种新锐的视角和态度，非常能够反映当下年轻人的想法。而该剧的导演李铭宸是汪兆谦台北艺术大学的校友，是台湾剧场界新生代的重要导演，和“两厅院”也已经合作多次。

　　对于《再约》这样一个充满青春气息的组合，“两厅院”给与了他们充分的展示空间和创作自由。在“国际剧场艺术节”这个平台上，这群年轻人和大师们一起同台登场，朝着他们的戏剧梦想，又走近了一步。

　　在台北的创作者们：年轻人有机会登上大舞台

　　相对于嘉义这样的“偏乡”，台北有着台湾最好的艺术环境和观众市场。在这个人口约800万的城市，光“两厅院”的会员就达到了100万之多。

　　这里活跃着各种大大小小的演出团体。但按照“两厅院”驻馆艺术家Baboo的话说，年轻人要想搞小规模的创作，基本没有太大的问题，总有各种资助可以申请。

　　只不过，无论对于哪个民间团体来说，要登上“两厅院”的舞台，尤其在四层楼共1498席的戏剧院演出，那都是非常不易的。无论是创作资金还是技术条件，大部分团体都很难实现这样的制作规模。

　　但“两厅院”的委约创作和“国际剧场艺术节”这样的平台，还是给年轻人登上大舞台，提供了可能性。

冯勃棣

　　《神农氏》的编剧冯勃棣觉得自己挺幸运，他先后写过七八个剧场作品，都被搬上了舞台。他同时还是一个脱口秀演员、魔术表演者、玩hiphop的嘻哈舞者，不过，他自言自己主要的谋生手段是写电影剧本。“我觉得写戏剧相对更自由，相对而言，写电影就没有那么自由了。”

　　《神农氏》是关于当代药物滥用的问题，创作初衷起于冯勃棣不久前的人生经历和低谷，在自己服药的那段时间，他重读了英国女剧作家萨拉·凯恩的名剧《4.48精神崩溃》，第一次发现自己读懂了这个剧本的痛点。

　　“我当时就想写一个很Kiang的剧本，这种很Kiang的作品在我们的舞台上还从来没有过。”

　　Kiang，是一个如今时髦的词语，形容嗑药或醉酒后恍惚迷幻的状态。而《神农氏》剧本的Kiang，也确实让很多观众看后未必能理解其表达。但冯勃棣说，有时候，处在崩溃边缘的人有自己的逻辑，外人未必理解。《神农氏》或许没有情节逻辑，却有清晰的情感逻辑。“我在药物里面，发现了许多人生与生命的意义。”

　　因为看过导演Baboo之前的作品《小夜曲》，冯勃棣十分喜欢他大胆的舞台呈现和画面感，他因此找到Baboo，希望他能成为自己这部剧作的导演。

Baboo

　　一个从编剧意志生发的作品，由此进入了创作团队的自由搭建。

　　Baboo从今年开始成为“两厅院”驻馆艺术家的，在此之前，他做了很多年的艺文记者，但也同时从事着创作。在成为驻馆艺术家之后，他和“两厅院”有了三个创作计划，并且去纽约当了半年驻村艺术家。

　　他为“两厅院”创作的第一部驻馆作品《重考时光》是在具剧院地下停车场完成演出的。这是他“视觉艺术介入剧场”系列作品的第三部曲，与之合作是他常年合作的“莎士比亚的妹妹们”剧团。

《神农氏》彩排记者会。摄影周嘉慧

　　而《神农氏》则是Baboo第一个在“两厅院”戏剧院演出的大制作。也是他第一次导演一部已经完成的剧本。“我的每次创作都是一次新鲜的体验，但这一次最大的目标是，不要辜负剧本。”

　　在台北，大部分作品都是志同道合的创作者们凑在了一起，然后，戏就开始做了。

　　Baboo在《神农氏》舞台上设置了一个DJ场，重拍节奏的渲染力重现嗑药者的脑内音场；麦克风收音、现场混音的技术，即时处理了舞台上发生的各种声响大小与质地，将人们习以为常的日常声音，如马桶冲水声、皮鞋行走声、物件掉落声，调制成另一种介乎虚实的样貌。搭配DJ玩转黑胶唱片的手法，演员的表演也出现有如乐曲倒带、快转、慢速播放，或甚至跳针、不受控制的状态。整台剧因此都有一种编剧设想过的“迷离的幻视感”。

《神农氏》彩排记者会。摄影周嘉慧

　　为了实现舞台效果，制作人和编导一起讨论，为《神农氏》搭建了一个有点“跨界”的团队。演出的音乐邀请了因为候孝贤导演《千禧曼波》得到金马奖最佳电影音乐的创作人黄凯宇，现场操控电音DJ的也是一直从事演唱会行业的专业DJ。剧中的主演莫子仪、黄健玮以及林辰唏，都是在影视界颇有名气的演员。

　　从一个年轻编剧有了想法，到最后找到一个团队完成作品。这个“随心所欲”搭建跨界班底的剧组背后，依然是“两厅院”从创作资金到平台资源上的全方位支持。

　　不过，对这些在台北创作生活的年轻艺术家来说，虽然有创作上的无限空间，但他们也羡慕大陆演出市场的广阔。在台湾，一部剧的创作大多只能支持一轮演出，很多时候，只限于台北。曾经为开心麻花创作过一个剧本的冯勃棣，就切身体会过大陆市场量级的“惊人”。

　　但无论如何，他们还是感激台北给予艺术家们自由生长和耐心呵护的环境。《神农氏》制作人最后提到，“两厅院”给了剧组在戏剧院剧场内约一周的合成周期，包括装台、技术合成和演员适应，在台北，这也是戏剧演出的常态。只不过，这样的“待遇”，对于大陆同行而言，无论是重量级的国家院团还是年轻的独立创作，或许都是艳羡的吧。